Nueva sección

Hacía mucho tiempo que me rondaba en la cabeza dedicar en el blog una serie de posts al arte japonés, un ámbito que no está muy desarrollado en España. En el terreno personal, me ha llevado a, incluso, estudiar el idioma, y hace ya unos cuantos años, me devolvió el gusanillo del estudio y la investigación, llegando hacer alguna que otra publicación monográfica sobre el tema y, hoy día, escribir sobre exposiciones de Asia o artistas asiáticos en PAC.

La sección se llamará Bijutsudō ( びじゅつどう – 美術), que hace alusión a la palabra japonesa para las Bellas Artes y el sufijo que señala camino (seguro que a muchos os suena el Bushidō, o camino del samurai). Aquí no solo entrarán artistas japoneses, sino también técnicas artísticas y artesanales, temáticas y hechos históricos/mitológicos relacionados de algún modo con el arte

Así pues, la próxima entrada que leáis en este blog será sobre algún ámbito de las Bellas Artes japonesas de hoy… o de ayer. La primera de muchas, espero.

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Aselart en Mazcuerras, por qué debe continuar.

El domingo, casi sobre la campana, visité la segunda edición de Aselart en Mazcuerras. No me pillaba por sorpresa: el año pasado tuve oportunidad de visitar el germen de lo que ha sido este año con la primera edición. Mazcuerras es un lugar que respira cultura, no en vano es lugar de nacimiento de Concha Espina y de residencia de Josefina Aldecoa, que se combina con un interesante patrimonio arquitectónico.

Aselart 2016, Mazcuerras, Retrazos

Aselart comenzó cuando se decidió hacer de Mazcuerras un museo al aire libre para las esculturas de madera -muchas talladas a partir de una sola pieza- de su médico, José Antonio Andrés Vera. Gracias a ello, mucha de la gente que iba de paso por el pueblo, conocía toda su estructura urbana al ir de un punto a otro buscando las piezas correspondientes. En paralelo, 13 artistas expusieron en la Casa Gótica.

Este año se ha dado un paso más: se ha optado por invitar a una serie de artistas, algunos venidos de Italia, Rusia o Polonia, que han convertido Luzmela en un espacio en el que el Land Art es el protagonista absoluto. Además, se ha expandido el “museo” al aire libre, incluyendo Herrera de Ibio como nuevo espacio, y se han combinado las instalaciones con la integración de fotografías antiguas ampliadas a tamaño natural junto a los emplazamientos más destacados del pueblo. Algunas permitían la interacción directa con el visitante.

Aselart 2016, Mazcuerras, Retrazos

Por su parte, la Casa Gótica ha continuado siendo la sede para exposiciones de pintura y escultura. En mi caso, pude ver las personales pinturas de Isabel Gutiérrez Ríos y las esculturas de José Antonio Andrés Vera. Las formas orgánicas de las tallas de Andrés Vera, muchas de cuerpos femeninos, pero sin dejar de lado la materia original -aprovechando los nudos y las vetas de la madera, e incluso el nacimiento de las ramas como recurso artístico-, dialogan con los autorretratos y desnudos de Gutiérrez Ríos, que también se mueve en el terreno de lo intangible y lo onírico, algo que también comparte con las esculturas más abstractas del escultor. De Andrés Vera aún se pueden ver algunas de las piezas de mayor tamaño, normalmente base de troncos y raíces, de la edición pasada de Aselart en el centro del pueblo -en el parque, la plaza de Concha Espina, o junto al monumento de la escritora- que bien podrían formar parte de la edición de este año.

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La recepción por parte de la gente de la zona es admirable: ellos mismos te indican dónde está la pieza más cercana si te ven un poco perdido, se toman con naturalidad que pases junto a su jardín para ver una de las instalaciones, han participado en la instalación y las actividades, etc. No solo este año, sino que el año pasado Mazcuerras tenía más movimiento que otros pueblos más poblados y turísticos de los alrededores.

Sin embargo, a pesar de esto, algo parece que falta: que los que no vivimos en el valle del Saja “nos dignemos” a visitar esta interesante propuesta de uno de los pueblos más bonitos y mejor conservados de Cantabria (no solo lo digo yo, sino que fue premiado así en 2008). También quedan por pulir algunos aspectos como la, en mi opinión, corta duración o, visto de otro modo, el exceso de artistas invitados de las exposiciones de la casa gótica, pues apenas duran una semana y solo cuentan con un fin de semana para cada una. A pesar de realizarse en agosto, cuando hay más tiempo libre para desplazarse, también es cierto que el fin de semana es cuando más personas se mueven en desplazamientos cortos.

Por qué debería continuar Aselart

  • Porque revitaliza el pueblo con propuestas originales que implican no solo a los artistas que vienen para participar, sino también a los mismos habitantes que, por ejemplo, el año pasado tenían en sus propiedades esculturas o en las inmediaciones de sus casas, y que este año tienen instalaciones en árboles, fuentes y prados del pueblo, o fotografía escénica en las fachadas de sus casas, incluso junto a sus puertas.
  • Porque Mazcuerras tiene una historia vinculada a la Cultura y a la Literatura especialmente desde hace décadas y esta podría ser una forma de continuar con ese papel de lugar de inspiración creativa. Así se pone en valor la historia y el patrimonio de Mazcuerras a través del arte.
  • Porque en su entorno tiene un importante papel el turismo rural y patrimonial (Bárcena Mayor, Ruente o Cabezón de la Sal, además de la misma Mazcuerras, con importante patrimonio arquitectónico se encuentran en las inmediaciones) que propicia la afluencia de visitantes. El paisaje que lo rodea, también permite que el land art o las piezas que se expusieron el año pasado se integren a la perfección y se convierta en un recurso turístico particular.
  • Porque permite que lleguen a Cantabria nuevas propuestas de intervención de espacios urbanizados y semiurbanizados de la mano de artistas poco conocidos que se especializan en técnicas que no son fáciles de ver en la región.
  • Porque, aunque sea durante un mes, la mirada de los amantes del arte se puede desviar de la capital y volverse a este lugar tan especial en el valle del Saja.

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Aún está en su segunda edición, pero existiendo ejemplos de otros enclaves rurales, como Genalguacil en Málaga, y si evoluciona de forma acertada, esta cita se podría convertir en los próximos años en una reunión artística anual de prestigio para la localidad y los artistas, y de visita obligada para los amantes del Arte.

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El Poste C.A.R.L.O.S., 2º parte | Entrevista a Juan López

Acaba de finalizar el festival Desvelarte 2016 y un nuevo Carlos -más info en el anterior post– preside la glorieta de la calle Sol con Menéndez Pelayo. En esta ocasión es Ian Waelder quien interviene el poste.

Intervención de Ian Waelder en el Poste CARLOS. Desvelarte 2016. Fte. El Poste CARLOS.

Intervención de Ian Waelder en el Poste CARLOS. Desvelarte 2016. Fte. El Poste CARLOS.

Su creador, Juan López, nos cuenta más sobre este peculiar proyecto.

Pregunta- Antes de cualquier otra pregunta, y sabiendo que te gusta jugar con las palabras en los títulos de tus obras, algo que  seguramente te lo habrán preguntado muchas veces, ¿por qué se llama CARLOS y no de otro modo?

Respuesta- Por una vez, no hay nada oculto en el significado de estas letras. Simplemente había que nominar el proyecto de algún modo y muy pocas veces se pone un nombre de persona.  Carlos no es un homenaje a nada ni a nadie, sólo un nombre común, como la propia señal.

P- Se enmarcó en la edición 2011 de Desvelarte, pero ¿cómo nació el Poste CARLOS?

R- Viene de un interés continuo por llevar propuestas artísticas al viandante. Ese terreno en el que nadie espera encontrar nada cercano a lo artístico. Asaltar al espectador en su terreno, cuando no se lo espera ni tiene una predisposición a ver arte como cuando decide entrar a un museo.

P- Salvo el momento de tensión con la policía municipal, el poste no ha sufrido alteraciones ajenas a las intervenciones, lo cual es casi increíble en una sociedad en la que no es raro ver piezas de arte urbano vandalizadas o destruidas, ¿es difícil lograr que el poste se mantenga donde está, después de 5 años?

R- La verdad es que la gente ha sido bastante respetuosa con la propuesta. Eso siempre me ha sorprendido. Será que de una manera u otra, los ciudadanos de Santander lo han aceptado y acogido, lo que es una buena noticia. El mantenimiento del poste es nulo, simplemente está ahí, a la intemperie, como cualquier otro elemento urbano de la ciudad. Cuando renovamos con alguna propuesta nueva, pasamos un trapo y listo.

P- Siguiendo este mismo hilo, hay artistas urbanos que aceptan los cambios en sus creaciones ajenos a la idea original. En este caso, si a alguien le da por “modificar” alguno de los postes, bien dañándolo parcialmente, bien con grafiti, ¿se vería como algo natural o, más bien, como un atentado a la obra original? ¿se reemplazaría o limpiaría, o se dejaría tal cual hasta el momento de su sustitución?

R- Por un lado, soy partidario de que lo que le ocurra al poste o al trabajo del artista que haya instalado en ese momento, es una consecuencia más de su contexto, en este caso, el urbano. Cuando planteas este tipo de trabajos tienes que asumir que a partir del momento de su instalación deja de ser tuyo, de pertenecerte. Por otro lado, creo que no podríamos reemplazarlo, ¡no hay presupuesto!

P- ¿Qué criterios se siguen para elegir a los artistas que intervienen?

R- Básicamente se trata de traer a artistas que de una manera u otra nunca hayan tenido la posibilidad de enseñar su trabajo en Santander. Desde el principio la idea era vincular a gente de otros lugares con la ciudad. Obviamente, en cada uno de ellos hay un interés por lo urbano, la señalética, lo arquitectónico, la escultura…

P- Ahora que el proyecto tiene unos años, ¿te pones en contacto con artistas que pudieran encajar bien en el poste o se ponen ellos en contacto contigo para intervenirlo?

R- Generalmente me pongo yo en contacto con los que creo que pueden realizar alguna propuesta interesante y que sea gente afín a este tipo de proyectos autogestionados. Pero también me han llegado algunas propuestas de gente o emails preguntando que qué hay que hacer para exponer allí. Esta parte no es fácil, ahora mismo me puedo permitir hacer un par de propuestas al año por mi cuenta y alguna colaboración esporádica con algunas de las galerías de arte  de Santander o el propio Festival Desvelarte.

P- ¿Ya hay nuevos nombres para los próximos “postes”?

R- Tengo muchas ideas pero ellos no lo saben. ¡Ahora me toca convencerlos!

P- Por último, pero no menos importante, ¿para cuándo Juan López en el Poste CARLOS?

R- La verdad es que no es la finalidad del proyecto, pero nunca se sabe…

*Juan López  (Alto Maliaño, 1979) usa la metáfora, siempre desde la intervención específica en espacios dados. Pretende quebrar y luego recomponer los vínculos entre los tres elementos que conforman la ecuación de su trabajo: ciudad, subjetividad y poder. La idea de “quebrar” es esencial en su práctica. Le permite vincular la objetividad del “afuera” con la percepción individual. En muchos casos, este tránsito se realiza a través del lenguaje, que es sistemáticamente sesgado y recompuesto para alumbrar nuevos significados. Su eco reverbera en el collage, que enfatiza una relación compleja y ambigua entre textos e imágenes. En los intersticios (en la fractura) que esta produce, anida la tensión entre lo privado y lo público y la reevaluación del espacio social. Fte: Galería Juan Silió.
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¿Conoces este poste? Se llama CARLOS.

Poste CARLOS by Angela Cuadra, 2016. Foto: Mair CaSe.

Poste CARLOS by Angela Cuadra, 2016. Foto: Mair CaSe.

Recuerdo que hace unos años -más adelante se sabrá cuándo- leí que habían puesto un poste de señales en una glorieta de Santander y, al parecer, se estaba montando la marimorena porque había quien se quejaba de que confundía a los conductores. “Una cosa muy rara”, me dije. Cuando me enteré qué era el proyecto y, comprendí de qué se trataba la instalación, me pareció surrealista que pudiera dar lugar a confusión alguna. Se trataba de una instalación artística en plena calle cuyas “señalizaciones” nada tenían que ver con las del tráfico, mucho menos su localización, ¡qué tiquismiquis es la gente!

Bien, pues ese poste de señales no es algo que apareció de repente, sino que formaba parte del festival de arte público de Santander, Desvelarte, que este año, y si todo va bien, cumplirá su octava edición.

La historia del Poste C.A.R.L.O.S comienza en 2011 (cuando leí de aquel pequeño caos), situándose en la glorieta de calle Sol con Menéndez Pelayo de Santander, y ahí continúa, albergando artistas como Miguel Ángel Tornero, Julio Falagán, Fernando Navarro, Fernando Renes, Diana Larrea o, la actual invitada, Ángela Cuadra. La idea, además de situarse en el contexto de Desvelarte, tiene como origen la cabeza del artista cántabro Juan López, quien además ejerce como coordinador de C.A.R.L.O.S.

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Se podría decir que está a camino entre el arte urbano, un microespacio expositivo y una instalación pública al aire libre permanente a la par que mutante. Un espacio de intervención cuyo camino no ha sido precisamente de rosas. Sin embargo, la confusión inicial no ha sido la única polémica: en 2012 la intervención de Zumo Natural fue fruto de quejas por ofender al cuerpo de policía, ya que en los paneles aparecía la conocida frase de Eskorbuto “mucha policía, poca diversión”. Al parecer, el punk no era de su agrado.

El poste, por su situación en una zona de gran actividad creativa independiente, se caracteriza por darle un aire desenfadado a la zona, quizás incluso un poco rebelde dado que su forma de señalización vial y su emplazamiento, pero que, si se está atento, aporta una forma diferente de ver el arte contemporáneo. Algo único que no solo envuelve a los viandantes, sino también, a los conductores que normalmente no tendrían tiempo de ver piezas de arte convencionales mientras van al trabajo, pero que, al estar en una glorieta con la forma de una señal de tráfico, inevitablemente fijan su vista aunque sea por unos segundos.

Quien visite Santander y quiera salirse de los convencionalismos, ¡pasen y vean el Poste C.A.R.L.O.S.!

*Si queréis ver todos los “Postes C.A.R.L.O.S.”, pinchad aquí.

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Itinerarios XXII en la Fundación Botín

La Fundación Botín, a través de sus becas artísticas, apuesta fuerte por un arte conceptual de fuerte contenido político y social y, además, este año por la aplicación de la tecnología en el arte, destacando la impresión 3D.

Este año los nombres no son tan mediáticos como el año pasado con Wilfredo Prieto, cuyo vaso medio lleno en ARCOmadrid causó gran controversia o, en menor medida, el estadounidense Justin Randolph Thompson, que también estuvo muy presente en ferias (por ejemplo, su performance en Summa). De los siete artistas -entre los 40 y los 31 años- que exponen este año, 3 hombres y 4 mujeres; dos son portugueses y cinco, españoles, aunque dentro de estos, dos tienen vinculaciones con el mundo árabe y Brasil.

Las obras giran en torno a la memoria -la propia, la adquirida por lo contado por otras personas, la Memoria Histórica-, el papel de los medios de comunicación en la sociedad, la narración a través de las técnicas -hay un predominio del vídeo y las piezas sonoras-, y la crítica del mundo que nos rodea. Sin embargo, en términos generales, las obras poseen tal carga conceptual, pues se centran más en el carácter documental, el objeto como testigo, y la reivindicación, que prácticamente se difumina la dimensión puramente estética de las piezas.

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Cartel de la exposición. Cortesía de la Fundación Botín.

Un montaje laberíntico aunque bien organizado, acotando más claramente la zona de exposición de cada artista que el año pasado, también influye en la experiencia de la visita, en algunos casos, condicionando las sensaciones y la opinión sobre las piezas.

En el caso de Sara Ramo, se nos conduce, no sin incertidumbre, a la etnografía, a las tradiciones de carácter primitivo y la esencia del ser humano, a través de un ritual selvático nocturno. La videoinstalación se sale de lo habitual: se debe seguir un camino de luz hasta la oscuridad absoluta y, solo venciendo al temor -la puerta que da acceso al vídeo se halla casi escondida y aparece una cierta sensación de duda sobre si aventurarse a abrirla o no-, se logra acceder al espacio donde tiene lugar ese ritual secreto. Este particular acceso, también influye en la sensación que transmite el vídeo (mientras unos pueden quedar gratamente sorprendidos, casi ilusionados, por haber encontrado el secreto que esconde ese extraño recorrido, esa ‘aventura’; otros pueden sentirse frustrados e incluso ligeramente molestos por encontrar de difícil acceso el vídeo).

Belén Zahera y Karlos Gil aplican impresión 3D (él, de filamento, a partir de la investigación sobre una invención del s. XIX de réplicas a menos escala; ella, de polvo cerámico, profundizando en los intentos de recuperar especies animales y vegetales y culturas perdidas) al arte para reproducir piezas arqueológicas, reflexionando sobre la copia en el arte y la capacidad de la reproducción exacta de un mismo objeto, o la creciente presencia de las nuevas tecnologías en las ciencias sociales. Además, Zahera, describe las impresiones de las piezas que expone en un documental protagonizado por ella misma.

Ambos desarrollan su obra en torno a la historia, como Teresa Solar Abboud, quien a través del diseño 3D, fusionando material fílmico real y reconstruido, muestra la transformación del objeto y el paisaje histórico, así como el cambio -y pérdida- de significado sobre un objeto o lugar que se produce en las personas a lo largo de los siglos en paralelo a los cambios de pensamiento y creencias.

Paloma Polo y Daniel Barroca, no solo hablan de Historia, sino también de Memoria Histórica. La primera nos lleva a la Filipinas de los años 70, cuando los indígenas fueron empujados por el gobierno a irse de su territorio para dedicarlo a agricultura intensiva y la industria. Empleando la triste historia personal que cuenta uno de ellos como metáfora, a través de ilustraciones que van mutando, se muestra cómo poco a poco la presión contra la cultura indígena fue desplazándolos y obligándoles e ir adaptándose a los nuevos tiempos. Barroca, por su parte, usa un lenguaje directo y muy personal combinando dibujos con reflexiones personales, fotografía y sonido que, en el caso de la instalación principal puede incluso llegar a herir sensibilidades, para hablar de uno de los temas tabú de Portugal: el lado oscuro de la guerra colonial durante los últimos años de la dictadura de Salazar.

Finalmente, si os acercáis a ItinerariosXXII, tenéis radio a mano y sintonizáis la 88.8, oiréis la pieza sonora de Nuno da Luz. Shanghai 88.8 es, por tanto, más que un mensaje en la pared de la sala. Mientras se escuchan los sonidos atmosféricos y de fenómenos electromagnéticos tomados en diferentes lugares, se puede ojear un particular libro con mensajes interrumpidos por la propia encuadernación.

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