Siguiendo el Itinerario en Fundación Botín

Itinerarios XXI. Cartel de la exposición. Fuente: Fundación Botín.

Itinerarios XXI. Cartel de la exposición. Fuente: Fundación Botín.

Entrar en la sala de exposiciones de la Fundación Botín es como entrar en una gran cueva blanca: al principio no ves nada aunque sepas lo que debes encontrar, solo lo sabes cuando entras en la gran sala principal y todo se descubre ante uno.

Con las obras de Itinerarios XXI, además, es especialmente sorprendente. Según se entra, uno casi se topa de bruces con las enormes pinturas de Justin Randolph Thompson que, a su vez, acota el espacio de tal manera que hace olvidar que otros dos artistas comparten esa misma estancia. Randolph Thompson impone tanto con las dimensiones que da a sus obras como en su forma de resolverlas. Los lienzos no solo hay que verlos de frente, como es habitual, sino que hay que ver el reverso, con un bastidor que más parecen cimbrados de edificios que elementos de sujeción de las telas. El que esté versado en arte italiano renacentista, podrá ver que la composición de las pinturas está en estrecha relación con la serie de Antonio Mantegna Los Triunfos del César, adaptados a la esclavitud de la población africana. El factor sorpresa y otros guiños a las obras principales se encuentra en los detalles: en las cajas de botes de betún agrupados en una esquina; en los enormes zapatos en la esquina opuesta; en la guitarra que de pronto aparece integrada en una de las partes posteriores de los bastidores… en que, de repente, el artista, en plena inauguración, se arranque a cantar a capella y posteriormente tañe esa misma pequeña guitarra (el 7 de mayo volverá a realizar una performance, ¿repetirá?).

Traspasando el universo del artista estadounidense, la vista se dirige a las instalaciones y fotografías del portugués Rodrigo Oliveira. La arquitectura sigue presente en unos volúmenes rectos en los que no solo juega con el espacio, sino también con la atmósfera del lugar, el aire mismo. Las fotografías, en la misma línea, enmarcan los interiores de edificios en obras con los propios vanos.

Rodrigo Oliveira: Alerón (observatorio nº 4) De la serie Procesos disociativos y aproximaciones complejas para cualquier ciudad en estado de entropía Madera, alerón de aluminio, extensores de metal Dimensiones variables, 90 x 60 x 330 cm (altura). Fuente: Fundación Botín

Rodrigo Oliveira, Alerón (observatorio nº 4). Serie Procesos disociativos y aproximaciones complejas para cualquier ciudad en estado de entropía. Madera, alerón de aluminio, extensores de metal. Dimensiones variables, 90 x 60 x 330 cm aprox. Fuente: Fundación Botín

La interesante, sobria y ordenada obra de Julia Spínola parece disminuida entre los dos gigantes anteriores, pasando casi desapercibida. Jugando con los colores y las formas, muestra una extensa mesa en las que las manzanas, ángulos de cartón y grandes papeles con imágenes impresas en blanco y negro realizan una sutil transición de unos a otros. Todos diferentes y sin embargo tan relacionados.

En un espacio propio, Wilfredo Prieto, quien saltó a la palestra de la prensa nacional por su Vaso medio lleno de ARCO 2015 el pasado febrero, presenta Viaje Infinito. Con una mezcla de estudio de ingeniería, planimetría, documental, dibujo y un toque de artesanía del reciclaje, el cubano muestra con ironía el bucle infinito de las vidas de la sociedad occidental. Esa noción de ‘Infinite Jest’ tiene la virtud de provocar todo tipo de sensaciones al espectador, desde la reflexión a la discusión e incluso el enfado, algo que, como se vio en febrero, está presente en toda su obra. Con Viaje Infinito nos demuestra que su discurso va más allá de la apariencia, que el artista cubano es más que un vaso de agua.

Wilfredo Prieto: Viaje infinito Instalación Pintura de José Perdomo, publicación, plano arquitectónico, maqueta, mapa de la isla de Cuba, cuatro dibujos y vídeo documental

Wilfredo Prieto, Viaje infinito. Instalación. Pintura de José Perdomo, publicación, plano arquitectónico, maqueta, mapa de la isla de Cuba, cuatro dibujos y vídeo documental. Fuente: Fundación Botín.

La ironía también está presente en una parte de la obra que expone Patricia Esquivias. Además del estudio del almohadillado de las esquineras de diversos edificios a través de la fotografía, presenta un vídeo de ella misma cantando mientras navega por Google Street View. Banaliza así la pérdida del interés de los detalles de los elementos arquitectónicos elaborados, del paso autómata por las calles. Acompaña su parte de la muestra  una intervención de un albañil local reproduciendo unos sillares esquineros en la propia pared de la sala expositiva.

Albert Corbí: No ser imagen, 2014-2015 Mesa de proyecto.

Albert Corbí, No ser imagen, 2014-2015. Mesa de proyecto. Fuente: Fundación Botín.

En el piso superior, Jorge Yeregui estudia el impacto de la construcción, la no-construcción (ahora tan “común” a raíz de la crisis económica) y la presencia humana sobre el paisaje, no solo los cambios visuales a través de un mosaico fotográfico que gana en coherencia según uno se va acercando a través del corredor, sino también sonoros por medio de una videoinstalación. Su obra audiovisual invita a detenerse en esos aspectos que hoy consideramos parte de nuestras vidas, pero que si lo meditamos, nos damos cuenta de que el hombre modifica -modificamos todos, al fin y al cabo, en mayor o menor medida-  el paisaje para los cinco sentidos. Otro estudio, esta vez de la cultura local, es el que realiza Carles Congost. El Sonido Sabadell fue un movimiento musical de la Cataluña de los ochenta que recrea a través de recuperación de portadas de discos de la época, luces de neón y un vídeo que hace volver a aquella época a pesar de ser, esto sí, actual. Por su parte, Jon Mikel Euba pone a prueba la paciencia del espectador al desplegar más de un centenar de folios con texto mecanografiado a lo largo de la pared que le corresponde. Es un detalle que se hayan colocado sillas, pues el tiempo de lectura para los más valientes será largo. Así, convierte la escena en una instalación cambiante, casi en una nueva representación, en la que se intenta plasmar mediante la palabra escrita la esencia de una performance ya realizada. Finalmente, Albert Corbí, con un intensísimo trabajo de investigación fotográfico sobre una nueva forma de colonización que se da en Brasil: de las grandes ciudades a los indígenas y sus territorios. A través de imágenes de gran campo visual se muestran paisajes tanto naturales como modificados, pero que, al repetirse el mismo tipo de fotografía, acaba por perder la forma y el sentido (como ocurre también al repetir muchas veces una misma palabra). El espectador interactúa directamente con el material, elige qué ver, cuánto tiempo pasa observando y cómo interpretarlo.

Jon Mikel Euba: Cómo leer el valor de una resistencia: una Introducción Instalación Medidas variables

Jon Mikel Euba, Cómo leer el valor de una resistencia: una Introducción. Instalación. Medidas variables. Fuente: Fundación Botín.

El estudio de la arquitectura, sus elementos y sus huellas; la entropía generada a raíz de la presencia del ser humano; o la incidencia de la presencia humana en sí, son los puntos comunes de una colectiva muy difícil de cohesionar y lograr que todos los artistas brillen tanto colectiva como individualmente, ya que resumir todo un proyecto artístico en unos pocos metros cuadrados compartidos, en ocasiones no permite abarcar su significado completo y uno se queda con una sensación de intranquila falta. Además, las propuestas de mayor potencia visual coinciden en el piso inferior, mientras que las más reflexivas se recogen en el piso superior, más tranquilo, pero que suele coincidir con la llegada del espectador más cansado mentalmente. Merece la pena una doble visita por partes: un día un piso, otro día, con la cabeza relajada, el piso restante. Se ve todo con otros ojos.

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